Jesucristo superstar, de Norman Jewinson

Nombre original: Jesus Christ Superstar
Director: Norman Jewison
Origen: Estados Unidos
Año: 1973

Una excelente idea, actualizar el evangelio, darle una estética roquera, e insertarle el espíritu joven y libre de fines de los sesentas, es, sin lugar a dudas, una excelente idea. Luego, la concreción tiene algunos problemas: la interpretación de Jesús es pobre, y la obra decae en algunos pasajes. De todas formas, en su conjunto, la obra tiene un alto nivel.

Opuesta a la interpretación oficial de los evangelios, el director elige la posición de presentar a Judas como mártir, misma posición que elige José Saramago en “El evangelio según Jesucristo”, y que casualmente surge en “El noveno día”, la película que previamente comentamos. Acorde a esta decisión puede estar la potencia de las actuaciones de Judas, y las toscas apariciones de Jesús, aunque aún siendo intencional la escasa energía que transmite el último, considero que el director se excedió en este pedido pues le quitó a Jesús el magnetismo necesario para arrastrar seguidores.

Durante toda la película hay desconexión entre el personaje Jesús, y el actor que lo interpreta, excepto en la escena de la noche previa a su captura. Es llamativo que actor y personaje se fusionen justo en ese momento, cuando Jesús duda sobre continuar su sumisión a Dios, único momento en que es libre, en el cual se siente dueño de sus actos, en el cual es rebelde. Allí, pone en duda el camino que Dios le impuso, y por primera vez es humano, por primera vez alcanza a Judas, por primera y única vez vive.

En el otro extremo, las desgarradoras actuaciones de Judas durante toda la obra son conmovedoras, transmiten brutalmente el sufrimiento, la rebeldía, y a la vez, el amor que reside en él, en su continua interpelación a las acciones de Jesús siguiendo a su Dios. Judas busca por todos los medios salvar a Jesús de su esclavitud y no lo consigue, y cuando es conciente de esto, su amor es de un carácter tan elevado, que, no solo le permite autodestruirse, sino que también elige condenarse eternamente para concederle la gloria. Judas vivió toda su vida, por eso su actor lo encarnó durante toda la obra, Jesús vivió solo una noche, y en ella el actor lo interpretó, antes y después simplemente le prestó su imagen.

Si bien la película decae por momentos, tiene escenas muy bien logradas y de gran energía. Una de ellas es la ya comentada de Jesús dudando de la misión que Dios le había encomendado, la cual, además de la potente interpretación, y de su furiosa música, utiliza un montaje de espiral ascendente que funciona correctamente elevando a Jesús, a través de su esfuerzo, a la altura del mismo Dios, para desde allí poder increparlo.

Otra escena importante, es la desesperante aparición de los pobres y enfermos de entre las piedras, exigiendo a Jesús la solución de sus problemas. Imagen y sonido generan un stress en el espectador que es difícil de encontrar en otras películas. El inicio calmo y ordenado de estos infortunados seres sugiere una escena de amor y curación, pero inmediatamente, el ritmo de ingreso de estos, junto con la música, se aceleran y se tornan caóticos, y al poco tiempo la situación sobrepasa a Jesús pero la continua aparición de estos seres desde grietas y huecos, se mantiene por unos interminables segundos, poniendo al espectador al borde de la reacción. Esta violenta generación de sentimientos, no es nada fácil de lograr, y parece ser provocado no solo por la situación, la música, y el montaje, sino también por la forma en que brotan de entre las piedras estos seres. Los cortos cuadros están inicialmente compuestos únicamente por rocas, y al final están cubiertos por los trapos oscuros de estos informes seres. Esta brusca transformación en cada corte, sumado a la elaborada generación de espacio lograda mediante el montaje, provoca esa torturante sensación de pánico, tensión y desesperación que destruye los nervios del espectador.

Finalmente, otra escena destacable es el feroz baile de Simón pidiéndole a Jesús que utilice su poder para enfrentar a Roma. La misma tiene un ritmo implacable, y su mensaje es transmitido con fuerza, aunque lamentablemente, sus efectos de cámara lenta y congelado, envejecieron muy mal, y parecen tontos vistos en nuestra época.

En definitiva una gran idea, con algunos errores de implementación, y una actualización de escritos de dos mil años de antigüedad, a la cual, luego de menos de medio siglo, ya le vendría bien otra actualización.

Al este del paraíso, de Elia Kazan

Nombre original: East of Eden
Director: Elia Kazan
Origen: Estados Unidos
Año: 1955

Un interesante drama confronta en dos pares de personajes varias características opuestas: el raciocinio con la pasión, idealismo con el egoísmo, y la libertad con la opresión. Mediante esa propuesta, y con un inteligente guión, el director nos hace variar nuestra simpatía de personaje en personaje, relativizando nuestra posición inicial con respecto a los tipos de personalidad referidos.

Al inicio de la obra vemos a Cal como un ser molesto, como un chimpancé en un cuerpo de hombre. Luego vamos entendiendo su comportamiento, y vemos toda la pasión, toda la vida que hay en él, y como esta escasea en su padre Adam y su hermano Aron, ambos fríos, opacos y estructurados. Observamos en Cal, y en su madre, esa voluntad de libertad, reprimida en el primero y liberada en la segunda, la cual contrasta con la fuerte tendencia a reproducir patrones impuestos por la sociedad por parte de Adam y Aron. Pero también vemos en ambos ese egoísmo, al utilizar la desgracia ajena para acumular fortuna, y en el polo opuesto, el idealismo del padre y de Aron, ambos al enfrentarse a la guerra, y el primero al plantear la especulación financiera como un robo cuando recibe el regalo de Cal. A su vez, completando esa trilogía de características enfrentadas, percibimos a todas ellas, luchando entre si dentro de Abra, que siente que debe amar a Aron por ser su prometido, pero siente pasión por Cal, que aprecia la vida estructurada, pero queda rebeldía en su ser, y es ese intenso drama psicológico el componente interesante de la obra.

Finalmente, es interesante como padre y madre, reproducen los errores que comúnmente cometen padres y madres al relacionarse con sus hijos, pero invirtiendo los roles. La madre en la película es el componente masculino, ella es racional, ella es empresaria, ella se mueve, ella decide, y ante la relación con sus hijos se evade, elige su felicidad y los olvida. El padre es el componente femenino, es intuitivo, impulsivo, arriesgado, e irracional, y con sus hijos posesivo, y al ser posesivo, reduce a sus hijos a cosas, uno le es útil, y el otro no, uno le da placer, y el otro problemas, entonces el amor se dirige solo al primero, y por esto es un amor vacío, una palabra muerta, es un sucio negocio, un frío intercambio, en definitiva no es amor. El amor es incondicional, sino no lo es. En el amor hay respeto, hay aceptación, sino es solo un canje, y ese es el error del padre, eso fue lo que minó de resentimientos y celos a Cal, ese es el error que cometen las madres.

La peligrosa vida de los altar boys, de Peter Care

Nombre original: The Dangerous Lives of Altar Boys
Director: Peter Care
Origen: Estados Unidos
Año: 2002

Sin ser una estúpida comedia adolescente, es una mirada algo liviana de sus vidas. Si bien se presentan la mayoría de sus conflictos: la enseñanza opresiva y desconectada de su realidad, la indiferencia o desconexión familiar, la hipócrita sociedad, la interrelación con sus pares, en una historia bastante correcta y bien narrada, la profundidad con que se exploran es bastante escasa, cayendo en demasiados lugares comunes, y excediéndose en el contenido humorístico, dándole a la película un molesto tufillo a mainstream cómico.

Es rescatable la idea de recontar la historia principal, mediante la inclusión del cómic que surge de la imaginación de uno de sus personajes, y de esta manera, mostrar explícitamente los sentimientos y deseos que se intuyen en él. De todas formas el cómic tiene un aporte limitado pues el personaje es muy simple, y a su vez la simbología no es nada innovadora, limitándose prácticamente a copiar algunas ideas de The Wall, de Alan Parker.

Baile de ilusiones, de Sydney Pollack

Nombre original: They Shoot Horses, Don't They?
Director: Sydney Pollack
Origen: Estados Unidos
Año: 1969

La miseria humana, y su explotación como espectáculo, define concisamente esta película, en la cual un maratón de baile, nombre engañoso para un conjunto de parejas arrastrándose por la pista, es la excusa para que el “gran” público, ávido de morbo, se deleite con unos desafortunados humillándose por comida y un premio ridículo.

En un momento en que estamos plagados de “reality-shows”, la forma contemporánea de ver personas humillarse, esta película nos brinda un nexo, entre los mismos y los salvajes “espectáculos” en el coliseo romano de la antigüedad, o la ejecución de brujas en la edad media, pues este concurso, tiene todo el guionado que se hace obvio en cualquiera de sus actuales símiles televisivos, y la presencia del público en el lugar lo une fuertemente a sus versiones más antiguas.

La película se desarrolla correctamente, presenta múltiples facetas del drama, incluye diversos personajes unidos únicamente por la misma desgracia, muestra las manipulaciones de los organizadores, las transformaciones en los concursantes, y el paulatino deterioro de todos ellos: concursantes, público, organizadores, y de todo el entorno: arte, espectáculo, sociedad. Quizás, esa exhaustiva presentación, sin llegar a molestar, se estaba tornando algo pesado cuando el director decide culminar la película, el cual parece algo brusco pero bien resuelto.

El final es lo que proyecta el concurso al contexto más amplio de la vida, donde se reproduce la misma competencia, la misma desgracia, el mismo sufrimiento, la misma opresión de los organizadores, la misma manipulación por parte de ellos, el mismo deterioro, y finalmente la misma forma de salir del juego. El desenlace es preciso y necesario, y quiero además destacar, la excelente decisión de iniciar la película con la voz del locutor iniciando el espectáculo, y especialmente la de terminarla con esa misma voz, mientras el maratón continua, y los participantes siguen padeciendo en la pista. Esto le otorga eternidad a la competencia, y despega la historia de los personajes, para insertarla en el drama del ser humano.

Donnie Darko, de Richard Kelly

Nombre original: Donnie Darko
Director: Richard Kelly
Origen: Estados Unidos
Año: 2001

Una película agradable de ver, en la cual sobrevolando una historia adolescente aunque correcta, se presenta una compleja teoría de viajes en el tiempo, elegidos, purga del mundo, elaborada por uno de sus extraños personajes, mientras que al mismo tiempo, se hurga en la soledad, la incomunicación y el aislamiento de los personajes, y además, todo lo anterior es salpicado con críticas a la artificialidad, consumismo, xenofobia de nuestra sociedad. Esto, a mi gusto hace la película demasiado confusa, como si el director hubiera metido demasiadas cosas en ella, y no hubiera podido con eso, de todas formas fue bueno que al menos lo intentase.

De la ensalada propuesta por el director, encontré más sabroso el tema de la lucidez de Donnie ante la estupidez del mundo, y pienso que quizás toda la historia metafísica añadida sea una analogía a ese problema. De esta forma Donnie trasciende paralelamente, a la artificialidad que lo rodea, y al tiempo, atraviesa las apariencias, y el ahora, y en cierta forma reproduce la inmolación de cristo para salvar al mundo, lo que agrega un ingrediente más a la ensalada.

Muchos sabores, aunque mezclados, confusión aunque sin grandes incoherencias, muchos temas en el aire, aunque sin profundizar en ellos, una chispa para encender muchos fuegos.

Casablanca, de Michael Curtiz

Nombre original: Casablanca
Director: Michael Curtiz
Origen: Estados Unidos
Año: 1942

Una buena película, un muy buen guión, una historia interesante, un paso por encima de lo que se podía esperar de un clásico de hollywood.

Soy escéptico ante los clásicos, generalmente las cosas que aprueba el “gran público” no me convencen, quizás el rol protagónico de Humphrey Bogart, al cual siempre lo vi en aceptables películas, podía hacer pensar en que no iba a ser un mal espectáculo.

Y fue así, es una película que trasciende la historia romántico-policial que relata. Plantea las actitudes de los hombres ante las relaciones opresores-oprimidos, desde un idealista convencido como Lazlo, hasta un totalmente corrupto Capitan Renault, pasando por Rick, en el cual disputan sus decisiones intereses egoicos, sentimentales, e idealistas.

La película no decae en ningún momento, quizás es algo largo el flashback de la relación de Rick con Ilsa en Paris, pero seguramente sin eso no hubiera atrapado al “gran público” y por eso Hollywood no la hubiera producido, y la película nunca hubiera existido. En definitiva una correcta película, de la cual extraigo la escena en que unos alemanes comienzan a cantar su canción nazi en el bar de Rick, y Lazlo, con la aprobación de este, le pide a la orquesta que toque “La Marsellesa”, la cual es cantada por todo el bar. Más que la simple competencia de coros, me resultó curiosa la situación: Un americano formando parte de un acto revolucionario, ante un imperio fascista, y el pueblo, cantando un “himno” francés oponiéndose a los alemanes, sus nuevos ocupantes por transitividad, aunque situándose junto a sus viejos ocupantes, dejando la independencia marroquí para otro momento.

Dogville, de Lars Von Trier

Nombre original: Dogville
Director: Lars Von Trier
Origen: Dinamarca, Suecia, Francia, Noruega, Holanda, Finlandia, Alemania, Estados Unidos, Inglaterra
Año: 2003

Una película dura, dura conceptualmente. Presenta una visión muy pesimista del ser humano, es una película que duele verla, lo cual habla de su buena realización.

Es muy original la propuesta de filmar sobre un escenario, pienso que es una forma radical, y aún así, muy convincente de abstraer el lugar en donde se desarrolla el tema.

El comienzo con un plano zenital, mostrando el pueblo como un mapa, pero con sus habitantes moviéndose sobre él genera interés, y si bien al principio, parece que no se va a sostener toda la acción en ese boceto de pueblo, luego nos vamos acostumbrando a esa extraña representación y nos vamos quedando con la trama que se desarrolla. A su vez, esa falta de paredes, coloca en una misma imagen, y viéndose muy cercanas, situaciones difíciles de mezclar, donde el caso de la violación de Grace es el más impactante de ellos.

El tema de la película gira entorno del egoísmo humano, y como este va destruyendo las buenas intenciones que residen también en él. Las transformaciones que va sufriendo el pueblo de Dogville, luego de la llegada de Grace, son marcadas, pero circulares, apatía, cariño, desprecio, odio, apatía, lo cual revela que en su esencia no hubo transformación, sino que se mostraron diferentes ante el extraño.

El final nos plantea una decisión amarga, esas en las cuales ninguna opción es agradable, y creo que ahí esta el mensaje del director. Cuando algo esta muy podrido, ni la permisividad, ni la crueldad funcionan bien, pues reproducen la descomposición. No hay solución inmediata para ello, sino un proceso largo, y principalmente evitar caer en la putrefacción, cuando no se ha llegado a esta aún.